낮달: 오르세미술관

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2009년 6월 22일 월요일

유럽 이야기 - 파리

Paris Story 9

2006. 06. 05 ~ 2006. 07. 02

앞에 블로깅에 이어서 주욱

이번 블로깅은 진짜 재미없다 내가봐도-0-; 어서어서 지나가야지

오베르의 교회

(L'eglise d'Auvers)

1890

고흐의 최후의 작품. 마지막 작품이 교회라.... 그는 죽음으로서 안식을 얻었을까.

오베르였던가. 실제 가 보고 싶었던 곳 중 하나인데. 고흐가 살았던 아를도 가 보고 싶지만 오베르도 몹시도 가 보고 싶었다. 아니 그냥 남프랑스를 주욱 둘러보고 싶었다고. 니스만 핥고 온 것이 그렇게 아쉬울 수가 없었다. 아니 니스도 제대로 못 보고 왔지만. 여행욕심은 가면 갈 수록 커지는거라 거기서 1년을 살아도, 10년을 살아도 가 보고 싶은 곳이 계속 생길 것 같다. 유럽의 그 많은 나라들을 한달이라는 기간에 다 보고 간다는 것 자체가 불가능한 것이겠지. 그러니까 가고 나서도 또 가고 싶고 또 가고 싶고 그런것이 아니겠는가.

꼬르드빌의 이엉집

(Chaumes de Cordeville, Auvers-sur-Oise)

1890

자화상

(Portrait de l'artiste)

1889

정확하게 말한다면 생 레미에서의 자화상이겠지만. 반 고흐를 보고 있노라면 뭉크가 계속 떠오른다. 어린시절부터 가까이 접했던 주변인들의 죽음으로 인한 극도의 공포와 우울증으로 정신병원에 계속 있어야 햇던 뭉크. 그의 정신병은 그에게 희대의 걸작을 안겨 주었으나 정신병이 낫자 그는 더 이상 걸작을 그려낼 수 없었다고 한다. 고흐가 정신병이 나았다면..... 역시나 만약이라는건 없겠지만 고흐의 작품들 대부분이 그가 정신병을 앓고 있을때 나온 것들이라는것을 생각한다면.

사진이라는 존재는 미술가에게 스스로의 길을 개척하도록 강요했다. 어떤 이는 순간의 반짝임을 그렸고 어떤 이는 빛의 오묘함을 그렸다. 그리고 어떤 이는 이토록 강렬한 그림도 남겼다. 고전의 대가들은 예술을 돈 이상의 것으로 이끌어기도 했으나 역시나 돈에서 자유로워진 예술은 가장 실험적이고 순수함을 남긴다.

일본식 다리와 수련

(Le Bassin aux nympheas, harmonie rose)

1900

모네는 연작을 많이 남겼다. 이 일본식 다리 시리즈도 그렇고 수련도 그렇고. 르왕 대성당이나. 같은 주제로, 같은 소재로 그림을 남겼다 하더라도 같은 그림은 없다. 시간에 따라, 계절에 따라, 그리고 그림을 그렸던 시기에 따라 그림은 제각각이다. 수련 시리즈와 일본식 다리 시리즈는 그가 지베르니에 살면서 그렸던 그림들. 지베르니의 정원은 그 덕에 성지순례장소가 되었다고.

우산을 든 여인

(Title Woman with a Parasol)

1886

우산을 든 여인도 연작이다. 그림이 3점이 있는데 그 중 두 점은 오르셰에, 나머지는 워싱턴 미술관에 전시되어 있다. 오르셰에 있는 두 점의 그림은 상당히 유사하며 그림을 그려진 년도도 같다. 인상파 미술이 살롱에서 푸대접을 받았던 가장 큰 이유는 저 대담한 묘사 덕택인데 저 그림도 눈코입이 생략된 덕에 욕을 바가지로 드셨다고. 오르셰에 있는 그림은 오슈데 부인을 모델로, 워싱턴에 있는 그림은 까미유를 모델로 그림을 그렸다.

르왕 대성당

(Rouen Cathedral, The Portal in the sun)

1892

모네의 초기작들은 사실적이고 정밀한 묘사로 이루어져 있다. 당장 밑의 그림만 봐도 알 수 있듯이. 초기에도 안 그랬냐만은 후기로 가면 갈 수록 시간에 따른 사물의 변화-더 정확하게 말하면 색채의 변화에 집중했었다. 사진의 발명은 화가들에게 더욱더 사실적이고 자신의 색깔을 내도록 강요아닌 강요를 했으며 사진이 완벽하게 표현하지 못하는 색의 찰나를 나타내고자 노력했었다. 인상파들의 그림은 추상적이게 보일지 모르나 아이러니하게도 가장 사실적인 그림들이었다.

이 그림도 좀 가르쳐 줄 사람;;

어째 한 포스트에 한개씩 이런 그림이 나오는거 같은게.

점심

(The Luncheon)

1873~1874

수련

(Nymphéas)

더 이상 말이 필요없는 작품. 그런데 정작 작품년도가 나와있질 않다-_-;;; 오르셰에 있는 수련은 유명하지도 않다 이건가. 모네는 지베르니에 살면서 수없이 많은 수련 연작을 남겼다. 지베르니의 그림들 대부분이 물과 관련된 그림인데 물의 반짝임과 색채에 큰 감동을 받았다 한다. 지베르니의 수련과 다리는 후기로 가면 갈수록 형채가 사라지고 색만 남은 이른바 추상적으로 변하는데 그건 모네가 시력을 잃어버린덕에 사물을 거의 구분하지 못했기 때문이다. 그러나 그 그림들은 후대의 화가들에게 영감을 주는데 사물의 형태를 잃어버린 추상화의 시초가 된다.

아이리스가 있는 지베르니 정원

(Le jardin de l'artiste à Giverny)

1900

갈레트의 무도회

(La Bal du Moulin de la Galette)

1876

인상파 미술을 찬찬히 살펴보고 있노라면 비슷한 생각을 가지고 있으면서도 표현하는 방식은 다르다. 인상파 화가들의 특징을 한데 뭉퉁그려서 말하기는 힘들다. 그 중 르느와르의 그림은 인상파라고 하기에는 강렬하지도 않고 어디가 인상파라 불리는 것일까 의구심도 들 만 하다.

알퐁시네 푸르네즈

(Alphonsine Fournaise)

1879

독서하는 소녀

(La Liseuse)

1886

그네

(La Balancoire)

1876

르느와르또한 초기작품과 후기작품이 판이하게 다른 화가 중 하나이다. 인상파 화가들 자체가 실험정신에 입각한 화가들이다 보니 대부분이 초기와 후기의 작품성히 달라지긴 하지만. 르느와르의 초기는 쿠르베라던지 마네라던지 다른 인상파 화가들에게 영향을 받아서 그의 작품답지 않게 날카로운 느낌도 없잖아 있으나 이탈리아 여행 이후 그의 그림들은 고전주의의 영향을 받아서 인체의 구도를 중시하게 된다. 르느와르는 앵그르의 영향도 받았는데 아마도 비슷한 시기가 아닌가 한다. 찾기 귀찮아서 그냥 그렇게 때우겠음. 그렇게 화풍이 달라졌음에도 불구하고 그의 그림의 가장 기본은 '행복'이었다. 한국에서 전시한 르느와르의 작품전의 부제도 행복을 그리는 화가였으니. 그는 그림을 보는 그 순간만큼은 행복해야 한다고 믿고 있었기 때문에 그의 그림에서는 어두운 그림자는 보이지 않는다. 가장 밝고 경쾌한 순간을 그려내고 있다. 그런만큼, 그는 여인들도 많이 그렸는데 르느와르는 여인들이 행복을 가져다 준다고 믿어 의심치 않았기 때문이다. 40세가 넘어서서 여인들의 나신을 많이 그렸는데 그녀들의 유연하고 풍만한, 부드럽고 따스한 나신들에게 매료되었기에 말이다.

빛의 표현 기법이나 그런건 둘째치고라도 그가 그린 초상에서 인상파라 불러야 할지 갸우뚱한 부분도 없잖아 있긴 하지만 그 당시, 그의 작품 또한 신랄하게 까였다. 사람들의 눈, 코, 입이 제대로 그려져 있지 않기 때문이다. 지금 생각하면 정면에서 사람의 얼굴을 보거나, 멀리서 얼굴은 본다면 형체가 뚜렷하지 않고 뭉퉁그려 보이는걸 당연하다 생각하겠지만 그때는 그것이 당연하지 않았던 시대였기 때문이다. 몇쳔년동안 확실한 윤곽의 그림들만 봐 왔기 때문에.

요람

(Le berceau)

1872

모리조는 인상파 유일의 여류화가이다. 마네의 동생과 결혼하였으며 마네의 모델로도 유명하다. 여성 특유의 섬세함과 감미로움이 작품속에 아우러져 있다. 그녀의 대표작인 요람은 그녀가, 여성이 가질 수 있는 모성애의 발로라고.

바티뇰의 아뜰리에

Un atelier aux Batignolles

1870

위 그림은 인상파의 아버지 마네를 위해서 앙리 팡당-라투르가 헌정한 그림이다. 바티뇰은 인상파의 아지트나 다름없었다. 후일 인상파로 불리는 그들은 그 당시에는 마네파라 불렸다.

오르셰 외부 시계의 뒷면. 사실 보면 별 거 없는데 괜히 사람들이 한번쯤 기웃거리는 곳이당.

Paris Story NO.10

2009년 6월 6일 토요일

유럽 이야기 - 파리

Paris Story 8

2006. 06. 05 ~ 2006. 07. 02

(내가 날짜 잘못 적어놨다는걸 어제서야 깨달았다. 왜 아무도 이야기를 안 해 준거야? 응?ㅠㅠ)

야외 조각상들을 뒤로하고 미술관 안으로 들어서면 거실이다 거실. 거실 한켠에 인포를 두고 있는데 표지판에 한국어도 적혀 있었다. 그냥 환영. 1층에는 ... 어라 1층은 사진이 없는건지 2층사진이랑 섞인건지...;;; 예지랑 준경이 사진에 있으려나 모르겠지만 여튼 난 구분 못 하겠다. 그냥 작품만 간략히.

로댕의 작품중 가장 아름답고 관능적이라던 작품. 키스를 주제로 한 작품 중에서도 가장 관능적이고 섬세한 작품이란다. 작품명은 키스. 이 작품은 카미유 클로델에게서 영감을 받은 작품이라 그런다. 연인에게 바치는 헌사나 다름없으니 그토록 관능적이겠지.

신의 손.

로댕의 작품 중 유명하지 않은게 어디있겠냐만 유명한 청동시대.

로댕의 작품은 근육이 살아 움직일 것 같은 생생함인데 이 청동시대는 그 생생함이 가장 잘 드러난다. 터질듯한 젊음이 어떻게 저 청동에 들어가 있을까. 로댕의 작품 중에 아이리스라는 작품이 있는데 에...그걸 대체 어떻게 만들어 냈을지...--aa 차마 찍지는 못하겠더라.

꽃모자를 쓴 소녀. 미술 교과서 표지로도 등장했을 이 작품은 로댕의 초년작중 하나. 빼어나게 아름답다기보다 풋풋하고 상큼하면서도 약간 우수에 어린 너무나도 소녀적이다. 로댕이 이 소녀에게서 받은 느낌이 고스란히 전해진다. 이 작품의 모델은 부인...부인이라고도 할 수 없는 로즈 뵈레.

1층에서 2층으로 올라가는 계단에 있는 꽃꽂이. 양쪽으로 두개가 서 있는데 예쁘다. 눈길이 확 간다.

이브. 야외에도 있다.

대성당.

역시나 이브. 로댕은 같은 포즈의 작품들을 여러개 남겼다. 청동으로, 대리석으로 등등등등.

미술관에서 바라본 정원. 저 정원으로 들어가려면 1유로를 더 내야 한다. 정원이 아니라 공원같은 느낌이다. 싱그럽긴 한데 쥐죽은듯 고요하다. 이건 날씨가 너무 좋아서 문제인거다.

정원의 부분. 우골리노가 보인답.

슬슬 지쳐 나가떨어질 기미가 보이기 시작했다. 로댕 미술관 내에서는 쉴 만한 곳이 그다지 없었고 그때까지는 그나마 정신을 차리고 있었는데 정원으로 내려가려고 하면서부터 슬슬 다리가 저리기 시작하는거다. 끄응. 덥지만 정원은 내려가 보고 싶고 해서 다리를 질질 끌면서 정원에 내려가서 저 벤치에 앉았다. 그리고 일어날 줄 몰랐다-_-;;;; 나으 정원 사진이 없는 이유는 그것 때문이었다. 덥기도 더웠지만 일어나기가 무진장 힘드는거시여따. 우리 셋의 상태는 딱 저거였다. 으악 큰일이다.

아 물론 나 말고는 정원 사진 꽤 찍긴 했답.

정원 너머로 군사박물관이 보인다. 물론 가지 않았다--;;

앞 포스팅에서 로댕미술관을 가려면 앵벌리드역에서 내리면 된다고 했는데 사실 우리는 Varenne역에서 내렸다. 하하하하하--;;; 로댕미술관은 여기가 더 가까웁다.

이젠 안녕. 생각하는 그 분 머리 위에 참새가 인상적이다.

그리고 다음 코스인 오르셰로 이동이동

어제 괜찮은데서 못 먹었으니 오늘 로댕 미술관 갔다가 점심을 괜찮은데서 먹자고 했었다. 분명 그렇게 한 거 같은데 오르셰역에서 산 크로와상과 쥬스를 덜렁덜렁 들고 오르셰 앞으로 왔다. 아니 왜 이렇게 된거지? 여튼간에 왔는데 경악했다. 태양이 가장 강렬할 12시 전후, 오르셰 앞은 벤치하나 없는 허허벌판이었던 것이다. 여태껏 미술관을 생각하면서 설마 앉아서 먹을만한데 없겠냐 이랬는데 진짜 앉아서 먹을만한데가 없었다. 허헐 기가차서 말이 안 나온다. 아니 정확하게 말하면 벤치는 있었는데 직사광선 바로 밑. 아주 따땃하게 달구어져서 앉고 싶은 생각이 싸악 사라졌다. 아무리 둘러봐도 앉을데도 없다, 먹을데도 없다 이를 어쩌지 고민고민하다가 결국 자리잡은 곳은 오르셰 미술관으로 올라가는 계단 그늘 한 구석. 여자 세명이 처량하게 계단 구석에 앉아서 빵조각을 뜯는 모습은.... 여기가 우릴 아무도 못 알아보는 유럽이니까 할 수 있는 짓이지. 이것도 나름 추억이잖아?

오르셰는 Musee d'Orsay역에서 하차하면 바로 올 수 있다.

우리가 열심히 빵을 뜯고 있으니 어디선가 참새 한 마리가 쪼르르 날아왔다. 무엇을 갈구하는지 안 봐도 훤하다--;;; 크로와상이라 주위에 빵부스러기가 널려 있었는데 겁도 없이 와서 주워 먹기 시작했다.

어쭈 이것봐라?

빵부스러기를 던져주니까 냉큼 받아먹는다. 아 우리나라에 비둘기가 있다면 유럽에는 참새가 있었구나.

지하철역에서 산 빵이라서 별 기대도 안 하고 먹었는데 이거 정말 맛있었다. 점심시간 즈음이니까 배가 고플 시간이긴 했지만 이후에 유럽 여기저기 다녀도 이처럼 맛있는 빵은 먹어보질 못했다. 특히나 독일에서 먹은 빵은 좀 많이 쉣-_ 이어서 이 빵이 몹시도 그리웠다.

빵을 야금야금 먹어치우고 오르셰 안으로 들어왔다. 오르셰로 들어가는 입구는 여럿인데 박물관패스권을 가지면 줄 서지 않고 간단하게 들어갈 수 있다. 아니면 줄 서서 표 끊어야 하거든. 역시나 시간 아끼는데는 꽤 좋은듯.

입구에서 팜플렛을 들고 뚤레뚤레 들어가면 계단이 보인다. 거기를 올라가면 오르셰 미술관인 것이다. 오르셰는 파란만장한 미술관이다. 호텔도 되었다가 역도 되었다가 지금의 미술관으로 변신. 내부는 미술관처럼 꾸며져 있지만 역시 곳곳에 역사라는 티가 난다. 루브르 박물관이 중세부터 근세(정확하게 말하면 로코코미술)까지 전시가 되어 있다면 오르셰는 근대 미술 - 인상파에서 현대 미술 - 을 모아 두었다. 지금도 예술가들은 오르셰에 그림을 기부한다.

오르셰 미술관 자체는 명성에 비해서 그다지 크지 않다. 넉넉하게 3, 4시간 정도면 미술관을 속속들이 다 볼 수 있다. 뭐 그렇다고 오르셰가 루브르보다 가치가 떨어지는건 아니지만. 오르셰에 들어서면 저 시계가 먼저 보인다. 역시나 역사의 시계였을까. 찍고나니 뿌듯한 사진. 엽서같다.

2층에서 내려다 본 오르셰.

회랑(이라고 불러도 되려나?) 옆으로 cell들이 있고 그 안에 그림들이 잔뜩 있다. 회랑은 조각상들로 가득가득. 시계가 있는 난간에서 오르셰를 찍으면 저런 모습이 나온다. 사람들로 왁자왁자 하나 그래도 역시 우리가 갔을 때는 한산했던 편. 루브르에서는 3층에서 1층으로 거꾸로 내려왔었다. 그 덕에 상당히 편하게 관람을 했었더랬다. So~ 이번에도 거꾸로 내려왔는데 루브르도 미로긴 하나 오르셰는 완벽하게 미로여서 내려가다가 길 잃을뻔 했다. 거기다 올라가는 계단 찾느라고 온갖곳을 다 헤맸는데 어머나 세상에 3층까지 올라가고 보니 에스컬레이터가 있었다 OTL 다리 끊어지는 줄 알았는데;;

오르셰는 1층에서부터 올라가도 된다.ㅠ_-

그래도 유수의 작품들은 대부분 3층에 있었다. 오르셰는 1층과 3층이 진기명기거든.

조르쥬 쉐라의 서커스

이건 뭐 년도도 없고 그림에 대해서 정보도 없고....;;;

쉐라는 점묘법으로 그림을 그린 화가이다. 쉐라의 그림은 이것보다는 그랑자데 섬의 오후가 더 유명하다. 단지 내가 기억에 남는 그림이 서커스라서 이걸 올린거지. 쉐라와 고흐는 같은 시대를 살다 간 화가지만 그림을 보는 시각은 전혀 달랐다. 쉐라는 분해를, 고흐는 재구성을 했고 그 결과 전혀 다른 그림이 나타났다. 쉐라의 그림은 움직이는 장면조차 정지한 것 같다.

Arearea

1891

타히티의 여인들

(was gibt's Neues, Parau api)

1892

백마

(Der Reigen der kleinen Bretonninen)

1898

이상은 말이 더 필요 없는 폴 고갱의 그림이다. 고갱의 초기 그림은 다른 인상파 화가들과 마찬가지로 음영에 의한 묘사로 이루어져 있으나 고흐와의 불안정한 관계와 가족들, 자신을 둘러싼 주변 환경에 환멸을 느끼고 원시생활에 매료된 나머지 타히티로 훌쩍 떠난다. 타히티로 떠나기 전에도 그림은 그의 원시생활의 동경으로 인해 토속적이기 시작했는데 타히티에서 그린 그림들은 그의 대표작들이 되었다. 사실 일반적으로는 그는 문명세계의 환멸과 원시생활의 동경으로 타히티로 떠났으며 그의 작품들은 그 원시의 강렬함과 건강함으로 구축되어 있다 하는데 사실 다른 의견도 속속들이 나오고 있다. 타히티에 완전히 정착하지 못했던 그는 결국은 타히티에서조차 외지인이었으며 그의 그림은 그 외지인이 본 타히티가 아니겠느냐. 문명도 원시도 완전히 안고가지 못했고 떨치지 못했던 그는 그의 단짝 고흐만큼이나 외롭게 살다 간 인물일지도.